El resurgimiento del retro-cartoon y la UPA

En los 90´s se vio en el flash una nueva herramienta para la animación, su potencial en la animación  limitada redirecciono mucho del estilo de los dibujos animados de finales de los 90´s y principios del 2000. Volviendo la mirada a los dibujos animados de los 50´s y su estilo gráfico. Se revalorizo el aporte que hacen estos animadores, al hacer del trabajo del animador algo más fresco, desechando las hojas de modelo de personajes y dando expresiones más naturales a los mismos ajustandose a la banda sonora, esto hace que se respire una frescura de la que llega a carecer el estilo de disney.

Diseñadores como Michael Giamo y Maurice Noble quienes trabajaron para Disney y la Warner respectivamente ayudaron al resurgimiento del diseño en la animación. Redescubriendo el estilo de la animación de los 50´s a sus aprendices.

Michael Giammo diseñador de disney, dicto clases en Cal Arts (Intituto de artes de California)  diseño, caricatura y preproducción a finales de los 80´s, introdujo en sus estudiantes la importancia del buen diseño en animación, influenciando a sus estudiantes mostrándoles el diseñó estilizado de los 50´s, muchos de sus sus estudiantes encontraron afinidades en su trabajo.

Estos estudiantes serian los creadores de series como Samurai Jack, Escuadrón del tiempo, Las chicas súper poderosas, Mansión Foster y El laboratorio de Dexter. Series inspiradas en el estilo gráfico de los 50´s y que hoy se denomina retrocartoon.

Hoy en día también se ha usado esta estética del diseño de los 50´s usándolo para el diseño de personajes, en películas como Monster Inc, Los Increíbles y Madagascar, se retomo también dicha estilización para la creación del concept art, trabajo en el que se basan los diseñadores de personajes para realizar las hojas de modelo.

Origen del cartón de los 50´s

Para hablar de los dibujos animados de los 50´s que ha influenciado ampliamente a los nuevos diseñadores de personajes es necesario remontarse a ese periodo histórico en EEUU.

Entre el 45 y los 60´s fue un periodo de postguerra en EEUU , su  expansión económica le dio a EEUU una posición de liderazgo. Sin embargo, la guerra fría cocino una inquietud psicológica que llevo a una cacería de brujas sobre la gente de izquierda. Paulatinamente estas rupturas, llevaron a que apareciera la contracultura transformando el pensamiento de la época. 

Esta serie de cambios afectaron al cine en varios aspectos tanto al interior de los nuevos personajes que recreaban como en sentido económico donde el surgimiento de la televisión a color afecto la distribución de las películas. 

En primer lugar, cambio el paradigma del norteamericano representado en las grandes pantallas representando personajes ansiosos y neuróticos. Aparecieron los cómicos cultos, que hacían comentarios políticos, dirigidos a un auditorio más intelectual dejando de lado las comedias de tortazo más al estilo de los tres chiflados. 

En segundo lugar, la falta de espectadores en las salas de cine, produjeron una crisis económica que recorto los presupuestos en la industria cinematográfica, y la animación se vio afectada, muchos de los cortos de animación se utilizaban como relleno, fueron eliminados. De a poco los estudios comenzaron a cerrar, escasearon las ideas innovadoras y fueron colectivos fuera del circulo de Hollywood los que llevaron a cabo la investigación alrededor de la animación.

Es en este contexto donde el look de los dibujos animados cambio los animadores también querían alejarse de las comedias de tortazo y de los gaga de la Warner, para utilizar e lenguaje de los dibujos animados para hablar de temas contemporáneos. Buscaron en el diseño moderno un vehículo que les dio una marca propia, diferente a lo que se había producido hasta la fecha.

Su estilo visual se derivo de las vanguardias artísticas (cubismo, surrealismo y expresionismo) y su cercanía con el diseño. La nueva generación de animadores fueron dominados por una cultura visual que nace de artistas como Matisse, Picasso y Klee, dando mayor importancia a la pintura y el dibujo.

UPA

Nace la UPA ( Producciones unidas de America), formada en principio por 3 empleado de Disney que abandonaron el estudio ( Dave Hilberman, Zack Swartz y Stephen Bosustow). La upa será quien más refleje este nuevo espíritu y quien en gran medida influencie a las generaciones venideras. Fue una reacción ante el conservadurismo de Disney y la violencia de las historias de los hermanos Warner. Dos prohibiciones definieron el estilo de los cortos de la UPA:

• No hay animales que hablan
• No hay violencia en los dibujos animados

Sus  comedias eran inteligentes y sus dibujos estilizados fueron influenciados por algunos dibujantes y diseñadores de principios del siglo XX, Jonh K ( animador canadiense creador de Ren y Stimpy) destaca algunos de estos.

Empezaron a producir obras educativas y propagandísticas que mostraban estas señales de renovación, porque su equipo contaba con expertos diseñadores.

En el 46 Bosustow, se convirtió en el único productor, llevo a la UPA a la fama. Tenia una posición respetuosa con el talento de sus animadores y desmantelo la producción en cadena que había instalado Disney, apoyando la formación de pequeños grupos de trabajos.

En las grandes producciones de Disney tiene un largo proceso de producción que se realiza en dos grandes etapas y se divide en varios procesos cada uno.

1. Preproducción: En esta primera instancia se escribe el guión, se realiza el storyboard donde se construye el guión de manera visual, posteriormente se realiza el concept art donde se crean los bocetos preliminares de las actitudes de los personajes y fondos y algunas sugerencias en cuanto a la luz y las texturas. La  dirección de arte, define el estilo visual de la película y busca referencias visuales. Diseño de personajes donde se define el diseño en propiedad, se realizan hojas de personajes donde esta el personaje definido en sus diferentes actitudes y vistas y también se hace el diseño de objetos. Animatic, cuando se termina el story se realiza una versión animada del storyboard, se escanda el story y los dibujos se mueven, esto se usa para ver los tiempos y como funciona con los diálogos. Layout, son dibujos donde se ubican los personajes en sus poses en cada toma y los fondos. Se graban las voces para conocer el énfasis y las actitudes de los personajes.

1. Producción: Es el proceso de animación propiamente. También se divide en varias instancias. Animación de las puntas, que realiza el animador principal, son las actitudes que el personaje tiene en una secuencia. Asistencia de animación, en este proceso se hacen las poses claves. Intercalado, usan las poses claves para hacer los dibujos intermedios. Clean up, donde se limpian las lineas y los detalles del personaje y el diseño. Pintura de fondos. Entintado, se pasa el dibujo del clean up y se entinta. Composición y Edición, donde se unen los elementos de animación en una sola composición, se unen todas las capas de una secuencia.

En contraste la UPA hizo producciones donde trabajaban artistas conservando su propia identidad, diseñadores y productores dejaron de ser una distinción. Y se dejo de trabajara para un mismo estilo de animación. Formando un campo de experimentación para los animadores emergentes, que buscaban un mayor protagonismo como artistas en las producciones, sobre las grandes estructuras tradicionales, incluso dando tiempo para trabajar en sus propios proyectos.

Antes del surgimiento de colectivos como la UPA , entre los 30´s y los 40´s la animación estuvo dominada gráficamente por las formas redondeadas (óvalos, huevos, peras) en personajes como Donald, Bugs Bunny, Mighty Mouse, estos personajes tienen personalidades y actitudes expresivas. Mientras en la animación europea estaban más concertados en comunicar ideas y le daban poco interés en dotar de personalidad a sus personajes. Este tipo de cartón oriento a los artistas que estaban cansados de las formulas de Disney, y dio un nuevo aire rejuvenecedor y fertilizador en los dibujos animados de los 50´s.

Como reacción a las formulas de Disney replantearon el diseño para animación en tres aspectos:

El diseño de personajes: Los diseñadores pensaron que los dibujos eran una composición visual de lineas y formas en un soporte bidimensional. Descartaron el uso de las formas circulares para crear personajes con variedad de elementos. Se dio un mayor énfasis al uso de la linea para delimitar a los personajes. Los dibujos eran planos, con formas alargadas. Por tanto los personajes dejaron de tener personalidad y representaron tipos genéricos de personas.

Animación: Los animadores tienden a replantearse lo figurativo, muchas veces distorsionaban algunas de las poses claves de los personajes entre punta y punta de animación. Otras veces hacían personajes con movimientos complejos como un ballet.  Otras veces exploro la animación selectiva, manteniendo una parte inmóvil en los personajes, esta técnica se convirtió en la animación limitada, utilizada por la televisión, porque se reduce costos al mover solo lo esencial.

Fondos: Se volvieron más abstractos se alejo de la obsesión por crear las tres dimensiones de la perspectiva renacentista. Y se evitaron los detalles, dejando de dibujar texturas realistas, sombras fotográficas y efectos de iluminación.  El vacío se convirtió en un valor positivo, y se observo que con pocos elementos se podía conseguir el mismo efecto dramático. El fondo costaba de áreas de colores planos y patrones. Se reemplazo el aerógrafo por la texturización con esponjas, trazos con pinceles que dejaban ver los trazos de la brocha. El color se utilizo para crear efectos dramáticos o emocionales, el color se convirtió en un elemento narrativo

Producciones de la UPA

Fueron los precursores de un nuevo tipo de comedia más cerebral e irónica. Favorecieron en sus películas a la dirección de arte, donde se obedeció más a las leyes pictóricas que a la narrativa buscando un lenguaje propio mediante el uso de tres elementos ( animación limitada, linea y color). Al mismo tiempo tomo el sonido del jazz como una búsqueda de liberarse del conservadurismo hiperrealista de Disney.

La animación limitada es una forma de animación más económica, donde se usan menos detallasen los fondos y menos movimientos animados . Usualmente se animaban los ojos, la boca y las extremidades de los personajes, empleando ciclos de movimiento, el diseño de personajes fue radicalmente diferente, y sugiere significados simbólicos y metafóricos. 

Uno de los animadores reconocidos de la Warner Chuck Jones, es el primero en experimentar con la animación limitada en los años 40´s y vio su potencial en la animación de comedias. 

The Dover Boys of pimiento university

Ahora bien, la upa devolvió la animación a los contextos artísticos y culturales. Sus gag´s eran chistes sobre la percepción errónea y los malentendidos.

Por ejemplo

Mr Magoo: Aparece en el 49 Es el personaje más famoso de la UPA. Representa un hombre serio y responsable en un mundo que parece una locura, es un producto eminente de los 50´s, épocas de ansiedades. Era una novedad porque era un humano adulto de voz áspera, aspecto descuidado, calvo, obstinado y gruñón, cuyo atractivo era su ingenuidad y su miopía, que fue vista como una ganancia ya que gracias a su incapacidad lograba ver cosas más allá de lo evidente. Fue dirigido por John Hubbley y luego Pete Burness.

Gerard McBoing Boing de Bob Cannon  (51): Ganador de un Oscar. Es protagonizado por un niño que en vez de hablar emitía ruidos. Basada en un personaje del Dr. Seuss. 

Marco el cine de animación en varios términos tanto técnicos como abrió la animación a las películas de autor. 

Rooty toot toot de John Hubley

Un unicornio en el jardín (53) de Bill Hurtz.

El corazón delator: Un ejemplo de una película animada de terror

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Apuntes para la clase 8-Animación digital